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Matt Johnson de Matt and Kim

«Era literalmente una fiesta»

Así es como Matt Johnson de Matt and Kim describe los primeros días del dúo indie del mismo nombre, que consistían en actuaciones ruidosas en fiestas y espectáculos caseros.

Lanzaron su segundo álbum, Grand, en 2009, que fue certificado como disco de oro por la RIAA.

El álbum incluía el éxito arrollador «Daylight», que se convirtió rápidamente en un himno de baile para los jóvenes hipsters de todo el país cuyos fines de semana consistían en el tipo de espectáculos y fiestas en las que actuaban Matt y Kim. Su música es enérgica y alegre, además de auténtica y accesible; el estribillo de la canción, «In the daylight, anywhere feels like home» (A la luz del día, cualquier lugar se siente como un hogar), fue una máxima que definió una época, cuando MySpace era una metrópolis en auge para el descubrimiento y el intercambio de música, y preparó el terreno para el éxito de Matt y Kim.

La energía optimista de la banda nunca decayó, ni siquiera cuando Kim Schifino, que toca la batería en el grupo, se rompió el ligamento cruzado anterior en el escenario la primavera pasada y se tomó un año de descanso para recuperarse. De hecho, ese tiempo libre dio lugar al sexto y último álbum de la banda, Almost Everyday, que saldrá a la venta el 4 de mayo con el sello FADER. El disco, de 10 canciones, mezcla a partes iguales matices y nostalgia sin dejar de ser fieles al infeccioso sonido indie que les hizo famosos en primer lugar: presenta una alineación de colaboraciones improbables como Santigold, King Tuff y Mark Hoppus de Blink-182. Johnson dice que también es su álbum más personal hasta la fecha; lo escribieron durante una época de agitación personal y nacional, en la que utilizaron su música como una forma de terapia. También aprovecharon ese tiempo para abrir un canal de YouTube, donde han acumulado millones de visitas a sus vlogs, que incluyen desde una visita a la casa hasta un tutorial sobre cómo orinar en un coche.

La excentricidad y exuberancia de Matt y Kim fuera del escenario se traslada a su presencia escénica. Puede que hayan recorrido un largo camino desde sus improvisados decorados de salón, pero la energía sigue siendo la misma. Han agotado las giras como cabezas de cartel por todo el país y han robado el espectáculo en grandes festivales de música como Bonnaroo y Lollapalooza, y llevarán esa energía a The Van Buren en el centro de Phoenix el martes 10 de abril. Nos pusimos al día con Johnson antes del concierto para hablar sobre el nuevo álbum y sentir nostalgia por los días de MySpace.

Quería empezar esta entrevista diciendo que «Daylight» era mi himno en 2009/2010, como estoy seguro que es el caso de mucha gente de mi edad. ¿Escuchas eso a menudo en tus canciones y qué significa esa canción para ti y para Kim personalmente?
Honestamente, escribimos esa canción en la habitación de mi infancia en la casa de mis padres con pósters de monopatines por todo el techo y las paredes y la grabamos nosotros mismos. Ciertamente no esperábamos que fuera a ser más grande que nuestra pequeña escena en la que estábamos. Es una locura que haya perdurado y haya tenido su propia vida, porque nunca fue un éxito. Sigue sonando tanto ahora como entonces. Las emisoras de radio no la ponían ni nada por el estilo, pero la gente se la pasaba por ahí.

Creo que fue en la época en la que se convirtió en mi canción de MySpace.
Demonios, sí (risas).

También ofrecéis a vuestros fans una visión bastante personal de vuestras vidas a través de vuestros vlogs y vuestro canal de YouTube y cosas así, algo que no hacen muchos artistas. ¿Por qué crees que es tan importante hacerlo como artista?
Creo que es importante hacerlo como nosotros, como Matt y Kim. No es una coincidencia que nos llamemos por nuestros nombres de pila en lugar de tener algún tipo de nombre de banda… nos tuteamos con cualquiera que escuche la banda. Nos damos cuenta de que en el escenario, tienes esta cierta conexión con el público. Es un momento de cara a cara. Es incluso más grande que la música; es una conexión real de persona a persona. Estuvimos fuera de la carretera durante un tiempo porque Kim se lesionó y estábamos entre álbumes, y queríamos ser capaces de seguir saliendo al escenario y mantener esa conexión. Fue entonces cuando decidimos empezar a hacer el canal de YouTube. Fui a la escuela de cine y me encanta hacer vídeos y cosas así, así que tenía mucho sentido para nosotros.

Su nuevo álbum ha sido descrito como su álbum más personal hasta la fecha y usted y Kim lo escribieron durante un tiempo difícil, durante su recuperación. ¿Podéis hablar un poco de esa experiencia? ¿Cómo fuisteis capaces de escribir un álbum tan enérgico en un momento en el que, francamente, debió de ser bastante agotador?
Es cierto, pero la cosa es que, incluso con Kim en su peor momento, sigue siendo más optimista y llena de energía que mucha gente en su mejor momento. Es una fuerza a tener en cuenta. Me hace seguir adelante. Por ejemplo, la canción que acabamos de sacar hace unos días llamada «Happy If You’re Happy» fue una canción que escribí en su momento porque había momentos en los que Kim estaba muy desanimada y deprimida y yo no puedo estar feliz si ella está triste. Es como, imposible para mí; estamos tan entrelazados y co-dependientes para bien o para mal. Así que de ahí salió esa canción… Creo que cosas como esa eran personales… escribir desde un lugar difícil. No era sólo su lesión, era todo lo que estaba pasando a nuestro alrededor y en el país, era un montón de malos acontecimientos. Incluso el título, Almost Everyday, se refiere a las malas noticias que recibimos casi todos los días. Creo que todo eso hace que las cosas sean personales. Estás escribiendo para dejar salir algo. No estás buscando cosas sobre las que escribir. Tienes esas cosas y necesitas escribir sobre ellas.

He escuchado el álbum y hay un tema muy nostálgico. Quería saber tu opinión al respecto y si este álbum tiene un tema, ¿cuál crees que sería? ¿En qué se diferencia de tu material anterior?
Creo que es bueno que tengas esa sensación de nostalgia. Durante toda mi vida adulta, he estado en la carretera y haciendo conciertos y en el transcurso del último año y medio en el que no estuvimos haciendo ningún concierto, que fue el más largo que hemos hecho, sentí casi como si ese período de mi vida hubiera terminado. Íbamos a algún concierto y me daba cierta envidia la gente que estaba en el escenario. Creo que fue una gran experiencia que me abrió los ojos sobre cómo sería la vida si ya no tuviera esta banda en mi vida y fue algo así como la película «It’s a Wonderful Life» en la que le presentan esta vida alternativa para mostrar lo bien que la tiene. Siempre he pensado que lo tenía bien, pero lo aprecié más cuando se fue. Creo que definitivamente había una mentalidad de «disfrútalo mientras lo tienes» sobre la que escribimos.

¿Cómo os conocisteis Kim y tú? ¿Cómo fue la primera vez que os conocisteis?
(Risas) Bueno, clásicamente Kim cuenta esta historia, porque yo no formé parte del principio de la historia… dice que estaba sentada en un banco en Pratt, donde íbamos a la escuela, con una amiga y me vio pasar y dijo, según sus palabras, no las mías, «Voy a joder a ese tío». Conociendo a Kim, esa es una declaración muy «Kim». Así que me dio su número, no una, ni dos, sino tres veces diferentes… no es que no estuviera interesado en llamarla, sólo tenía miedo de hacerlo. Pero siendo la Kim persistente que es, ella seguía básicamente siendo como, «¡Yo, idiota! Llámame!» y luego nos juntamos y a los tres meses de salir, nos mudamos juntos y hemos vivido juntos desde entonces. Pasaron un par de años antes de que empezáramos a tocar música juntos. Durante mucho tiempo, pasamos todos los días juntos y es increíble que no nos hayamos matado todavía. Creo que hay algo que realmente funciona (risas).

¿Cómo describirías vuestro directo a alguien que no lo haya experimentado de primera mano?
Creo que es el elemento más importante de nuestra banda. Tenemos mucha suerte… si tenemos algún tipo de gran single o algo así, realmente no importa; la gente realmente parece disfrutar del espectáculo y se envuelve en él. Creo que es de donde surge. Cuando empezamos, no tocábamos en ningún sitio. Literalmente, sólo tocábamos en fiestas y almacenes y espacios artísticos y salones y cocinas y sótanos y siempre era como una fiesta; era literalmente una fiesta. Estábamos en algo y todo el mundo nos rodeaba y caía sobre nosotros. Cuando crecimos, recuerdo haber tocado en nuestro primer festival y pensar: «¿Cómo mantenemos ese ambiente?». Se trata de todo el mundo en la sala o en el campo; no se trata de las dos personas en el escenario. Hacemos que todo el mundo participe y tocamos un montón de trocitos reconocibles de canciones que no son nuestras, así que, en cierto modo, se parece más a un set de DJ. Hablamos mucho con el público y ponemos mucha luz en el público para que podamos verlos y ellos puedan verse. Se trata de hacer una experiencia totalmente inclusiva, no como «Nosotros somos la banda. Vosotros sois el público. Mirad y disfrutad». Es como, «¡Hagamos esto todos juntos!» Si no tengo un público que salta y baila y hace «crowd surfing» y tiene «mosh pits», no me lo estoy pasando bien. Esa es la parte más divertida para mí: mirar fuera del escenario y ver eso.

¿Alguna vez echas de menos esos días en los que era un poco más íntimo y tocabas donde fuera?
Estoy muy contento de que hayan existido, pero creo que siempre quieres sentir un movimiento hacia adelante. Siempre es divertido que ocurra algo nuevo, tener nuevas experiencias. No creo que puedas quedarte en un escenario para siempre. De vez en cuando, tocamos en shows más íntimos para algunos eventos especiales o lo que sea, pero pensando en esos shows, la cantidad de policías que venían y las cosas se cerraban o se iba la luz o todo el público se caía hacia adelante y derribaba todo el equipo y teníamos que parar… fueron momentos súper divertidos, pero es difícil avanzar consistentemente cuando conduces seis horas en una minivan y te presentas en un show y los policías aparecen y lo cierran a una canción y media.

Matt and Kim w/ Cruisr and Twinkids, The Van Buren, 401 W. Van Buren Street, thevanburenphx.com, martes, 10 de abril, 7 p.m., $30.

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